定期演奏会 Bシリーズ

第877回定期演奏会Bシリーズ

終了日時：2019年4月26日（金） 19:00開演（18:20開場）

場所：サントリーホールホール案内座席表

～夢見る憧憬に捧ぐ～

マイチョイス割引対象公演

託児サービス

[PDFダウンロード]

出演

指揮／大野和士

プロフィール一覧

大野和士　Kazushi ONO（音楽監督）

都響およびブリュッセル・フィルハーモニックの音楽監督、新国立劇場オペラ芸術監督。
　1987年トスカニーニ国際指揮者コンクール優勝。これまでに、ザグレブ・フィル音楽監督、都響指揮者、東京フィル常任指揮者（現・桂冠指揮者）、カールスルーエ・バーデン州立劇場音楽総監督、モネ劇場（ベルギー王立歌劇場）音楽監督、アルトゥーロ・トスカニーニ・フィル首席客演指揮者、フランス国立リヨン歌劇場首席指揮者、バルセロナ響音楽監督を歴任。
　フランス批評家大賞、フランス芸術文化勲章「オフィシエ」、リヨン市特別メダル、朝日賞など受賞・受章多数。文化功労者。
　2017年、大野和士が9年間率いたリヨン歌劇場は、インターナショナル・オペラ・アワードで「最優秀オペラハウス2017」を獲得。2019、21年に自ら発案した国際プロジェクトで『トゥーランドット』『ニュルンベルクのマイスタージンガー』を指揮、ともに記念碑的な公演となり高い評価を受けた。新国立劇場では2019年以降、西村朗『紫苑物語』、藤倉大『アルマゲドンの夢』、渋谷慶一郎『スーパーエンジェル』を世界初演、また『ワルキューレ』『カルメン』『ペレアスとメリザンド』『ボリス・ゴドゥノフ』『ラ・ボエーム』『シモン・ボッカネグラ』と話題作を次々に手掛けた。
　2023年、作曲家マルティン・マタロンによる『メトロポリス』映画音楽コンサートでパリ管を指揮し、同作のフランス初演を成功へ導く。2024年3月に新国立劇場で『トリスタンとイゾルデ』を指揮、絶賛を博した。
　同じく2024年3月、新国立劇場はオペラ芸術監督としての現任期（2018年9月～ 2026年8月）に続き、再任（2026年9月～ 2030年8月）を発表した。
https://www.kazushiono.com/

曲目

武満徹：鳥は星形の庭に降りる（1977）

曲目解説
シベリウス：交響曲第6番ニ短調 op.104

曲目解説
ラフマニノフ：交響的舞曲 op.45

曲目解説

　《鳥は星形の庭に降りる》は、サンフランシスコ交響楽団の委嘱で作曲されました。タイトルは、英語で、《A Flock Descends into the Pentagonal Garden》といいます。（一種類の）鳥の群れが、星形をした五角形の庭に降下していくという意味です。作曲の委嘱を受けた年の春に、パリのポンピドゥー・センターで、マルセル・デュシャンの大きな回顧展がありました。そこで見たデュシャンのポートレートに、おそらく、その夢は起因しているのではないかと思います。皆さんすでにご存知だと思いますが、マン・レイがデュシャンの頭部を撮った写真です。彼の後頭部は星形に剃ってあるんですね。その写真を見た夜に、星形の庭の夢を見たのです。
　無数の白い鳥が、その星形の庭に向かって舞い降りていくんです。ところが、その中に一羽黒い鳥がいて、それが、群れをリードしていました。私はあまり夢を見ないほうですが、それだけに、その印象は強烈だったのでしょうね。目醒めた時、その風景がとても音楽的なものに思われて、これを音楽にしてみたいと思ったんです。
　それからずいぶん永いこと、ノートをとって、その夢を反芻しました。その夢から喚起された多くの事柄を逐一メモしていきながら、音楽のタイトルがいつか《鳥は星形の庭に降りる》となったわけです。
　この子供っぽい絵はその夢の印象ですが、これを描いた時、たまたま《バイバイ・ブラックバード》という古いジャズを聴いていました。中央の黒い鳥にＦ♯と記してありますけれど、いつのまにかこの群れを先導する一羽の鳥が、私のなかで、主要な役割を負うことになりました。そして、このＦ♯を音楽の中心（核ヌクレア音）にしようと考えていました。

絵：武満徹が創作ノートに描いたスケッチ

作曲者の解説、スケッチは『武満徹著作集』第5巻（新潮社、2000年）に所収の「夢と数－音楽の語法」（1984年4月30日Studio 200 〔東京〕において行われた講演による）P. 16 ～ 18より引用。

　武満徹（1930 ～ 96）の代表作《ノヴェンバー・ステップス》（1967）に第2番があったことをご存知だろうか。のちに《グリーン》（1967）と改題されたこの曲には柔和で明るい響きが頻出。いわば後期作品の先駆けとなった作品なのだ。だが、作曲家はこの方向性をすぐに推し進めることはなかった。
　1968年1月に、憧れのデューク・エリントン（1899 ～ 1974）を初めて実演で聴いた武満は、彼の魔法のようなサウンドが単なる楽器の組み合わせではなく、各演奏家の個性を活かしたものであったことに衝撃を受ける。それにより、特定の独奏者のために当て書きする作品に一層注力するようになった武満は、加えて1972年末にジャワ島でガムランを体感。1973年には雅楽のために《秋庭歌》を作曲し、更にはジョージ・ラッセル（1923 ～ 2009）によるジャズの音楽理論書『リディアン・クロマティック・コンセプト』からの影響も重なる。こうして《秋》（1973）、《ジティマルヤ》（1974）、《カトレーン》（1975）と、作品を追うごとに旋律が明確さを増し、サウンドも少しずつ軟化していく。
　そして《マージナリア》（1976）と共に、独奏者を伴わない新基軸の管弦楽曲として書かれたのが本作だ。前掲の武満自身の言葉やスケッチからも分かるように、視覚的なイメージ喚起が作曲のきっかけとなった。例えば「黒い鳥」は音楽上では、本作の大部分の和音のなかに含まれるＦ♯（嬰へ）によって、「星形の庭」は譜例で示された5音音階と関連させることによって表現されている。

譜例：《鳥は星形の庭に降りる》の基本となる音列。ピアノの黒鍵だけによる5音音階。

　楽曲は、譜例のＣ♯（嬰ハ）を軸に上下反転させた（反行形）明るい響きで始まる。そこに、これまた「黒い鳥」を表すオーボエの旋律が、主要動機として登場。管楽器が主体となる響きが鳥の群れを、一方の弦楽器は地上に位置する「星型の庭」を表す。つまり両者が絡まることで、鳥の群れが降下していく様を描いているというわけだ。ほとんどの楽器が沈黙するなかで、イングリッシュホルンが冒頭の主要動機を回顧した後、徐々に盛り上がり、破滅的なクライマックスを形成。再び鎮静していくと、3～4秒ほどの総休止が訪れて、全体の折返し地点となる。
　後半は、総休止で短めに各セクションを区切りつつ、それまで登場した要素を展開させていく。前半と同じクライマックスが再び訪れたのち、終結部へ。楽曲を構成する基礎となっていた5音音階の派生形がコラールのように奏でられると明転。オーボエが主要動機を回顧して、ロ長調のような響きで曲を結ぶ。
（小室敬幸）

作曲年代	1977年
初　　演	1977年11月30日　サンフランシスコエド・デ・ワールト指揮　サンフランシスコ交響楽団
楽器編成	フルート3（全てピッコロ持替、第3はアルトフルート持替）、オーボエ3（第3はイングリッシュホルン持替）、クラリネット3（第1は小クラリネット、第3はバスクラリネット持替）、ファゴット2、コントラファゴット、ホルン4、トランペット2、トロンボーン3、大太鼓、チャイム、マリンバ、ヴィブラフォン、サスペンデッドシンバル、タムタム、ゴング、カウベル、ハープ2、チェレスタ、弦楽5部

　フィンランドの作曲家ジャン・シベリウス（1865 ～ 1957）が交響曲第6番（1923）の楽想を最初にスケッチしたのは、1914年秋である。1914年といえば、ノーフォーク音楽祭に招かれたシベリウスが生涯唯一のアメリカ公演を成功させた年であり、第1次世界大戦（1914 ～ 18）の勃発で経済的困窮に陥りながら、交響曲第5番（1915、1916/1919改訂）の作曲を精力的に始めた時期でもあった。創作意欲に溢れていた当時のシベリウスのスケッチ帳には、数多くの楽想が雑然と書き綴られている。
　興味深いことに、その中には後期創作期の大作、すなわち交響曲第5番から交響詩《タピオラ》（1926）までの楽想を全て見出すことができる。50歳を迎えようとしていた円熟期のシベリウスを大いに悩ませたのは、インスピレーションに満ちたそれらの楽想を大規模な作品にどのように配分するか、という問題であった。
　交響曲第5番の度重なる改訂からうかがえるように、その最初の試みは大変な難産であった。同作品における複雑な形式構成（特に冒頭楽章とスケルツォ楽章の融合）には、シベリウスの苦難の道のりが明確に刻まれている。しかしその壮大で英雄的な音楽は、当時の作曲者の確固とした信念、自信の表れともいえるだろう。そして第5番（最終稿）の完成から4年後、一つの大きなハードルを越えたシベリウスが新たに発表したのは、前作と全く異なる性格の交響曲であった。それが第6番である。
　シベリウスの交響曲第6番はきわめて清澄な音楽であり、北欧フィンランドの涼風のようにさわやかで透明な響きに満ちている。作曲者自身、「他の多くの現代作曲家が色鮮やかなカクテルの制作に夢中な一方、私は聴き手に一杯の清らかな水を提供するのだ」と皮肉交じりに述べたという。シベリウスが作品の出来栄えに強い自信をにじませ、その歴史的意義さえ冷静に認識していたことをうかがわせる興味深い言葉である。確かにコンパクトな第6番は、モーツァルト張りの軽やかな印象とは対照的に、数々の斬新な工夫が施されている。とりわけ交響曲全体にアルカイック（古風）なドリア旋法（教会旋法の一つ）のシステムを取り入れたことで、これまでの調性音楽の枠組みを大胆に乗り越えようとしている点は特筆に値するだろう。
　交響曲第6番は伝統的な4楽章制が採られている。しかしシベリウスによると、「（第6番の各楽章は）形式的にまったく自由である。それらは、いずれも慣習的なソナタ形式の図式にしたがっていない」という。ソナタ形式やロンド形式に代表される従来の構成では、いくつかの対照的な調域の配置（たとえばハ長調とト長調、ニ短調とヘ長調など）とそのコントラストを主軸に、メリハリある展開を行うのが一般的であった。
　しかし第6番の発想は上記と根本的に異なり、ドリア旋法が大胆に応用されたことで、明確な調的コントラストの形成と慣習的な形式デザインの踏襲が退けられている。その結果、交響曲全体が光と影の織りなす幻想的な風景画のような趣きをたたえることになったのである。初期創作期の大作《クレルヴォ》（1892）以降、シベリウスはさまざまな旋法を巧みに用いて、時空を超えた「遥かな響き」を生み出そうと試みてきたが、第6番はその集大成といってよい。

　第1楽章　アレグロ・モルト・モデラート　清々しいポリフォニック（多声的）な書法が特徴で、曲の冒頭に現れる弦楽器の下降音型、それに続く木管楽器の断片的な楽想にもとづいて自由に展開していく。冒頭の素材は全楽章を有機的に統一する役割を担い、曲の節々で「かすがい」のように姿を現す。
　第2楽章　アレグレット・モデラート　室内楽のような趣きをたたえた淡い緩徐楽章風の音楽。楽章の後半（ポーコ・コン・モート）は弦楽器による木々のざわめきのような伴奏形に変わり、木管楽器が鳥のさえずりを思わせる短いフレーズを印象的に奏でる。
　第3楽章　ポーコ・ヴィヴァーチェ　付点リズムによる勇壮な曲調に彩られたスケルツォ風の楽章。「タッタ、タッタ」という付点リズムが途絶える合間に奏でられるヴァイオリンと木管楽器の流麗な旋律が、曲にしなやかなアクセントを与えている。
　第4楽章　アレグロ・モルト　これまで登場した楽想が、さまざまに姿を変えて結びつきつつ緻密に進行していく。やがて大きな盛り上がりを見せるが、曲の結尾（ドッピオ・ピュ・レント＝2倍の遅さで）ではあらゆる現実的な想念を超越し、遥かなる世界を憧憬するかのように暖かく、そして静かに幕が下ろされる。
（神部智）

作曲年代	1914 ～ 1923年
初　　演	1923年2月19日　ヘルシンキ大学講堂　作曲者指揮　ヘルシンキ・フィル
楽器編成	フルート2、オーボエ2、クラリネット2、バスクラリネット、ファゴット2、ホルン4、トランペット3、トロンボーン3、ティンパニ、ハープ、弦楽5部

　ロシアの作曲家でピアニストのセルゲイ・ラフマニノフ（1873 ～ 1943）は1917年、ロシア革命を避けて出国し、ヨーロッパ経由で1918年にアメリカに移住した。以後彼は生涯の終わりまで帰国する機会を失い、アメリカとヨーロッパを行き来しながら活動するが、生活のためもあってピアニストとしての仕事に忙殺されることになる。そのせいで後半生の外国時代は、四半世紀の長き年月にもかかわらず、作品数は極端に少ない。しかし少数ながらも後半生の作品は充実した作風を示している。
　その彼の最後の作品となったのが《交響的舞曲》で、1940年夏にロングアイランド（ニューヨーク州南東部）の別荘で短期間で集中的に作曲された。8月中に2台ピアノの形で全曲を仕上げ、フィラデルフィア管弦楽団の指揮者ユージン・オーマンディ（1899 ～ 1985）に手紙で初演を依頼し、9月から10月にかけてオーケストレーションがなされている。
　題名どおり舞踏的な性格を持つ3曲からなる交響曲風の管弦楽曲だが、舞踏的なリズムのうちにも、第2次世界大戦（1939 ～ 45）の不安の時代にあって母国ロシアへの想いと自らの運命を表すかのように、陰鬱な悲劇性とメランコリックな情感に満ちた幻想的な作品となっている。ロシア・ロマン派の流れを汲むラフマニノフらしいスタイルのうちにも、暗い錯綜とした響きが現れる点に後期の彼の特徴が窺えよう。
　タイトルはもともと《幻想的舞曲》とされ、さらに当初「朝」「正午」「晩」と名付けられていた各楽章は、途中で「昼」「黄昏」「真夜中」の題に変更された。これらの楽章題や、曲中における過去の自作等の引用から、作品を通してラフマニノフは自身の人生を辿ったと考えられている。しかし最終的には各楽章の題は削除され、作品名も交響曲風の性格であることを示す《交響的舞曲》とされた。自筆譜の最後には「神に感謝する」という書き込みがあり、作品の内容と照らしても、彼がこの曲を最後の作とするつもりだったことが窺える。作品は初演を務めたオーマンディとフィラデルフィア管弦楽団に献呈された。

　第1楽章　ノン・アレグロ　ハ短調　3部形式　主部は不安に駆り立てられるように運ばれる悲劇的な性格のもの。緩やかな中間部は、オーボエとクラリネットの寂しげな対話（1936年の交響曲第3番第1楽章第1主題の伴奏の引用）を背景にアルトサクソフォンが郷愁に満ちた旋律を歌う。ロシアへの募る想いを表すようなその主題はやがて弦を中心に感情の高まりを見せる。
　主部の響きが戻った後、最後近く弦に大らかな旋律が現れるが、これは1895年の交響曲第1番第1楽章の主題。この交響曲は初演失敗の衝撃でラフマニノフに自信喪失をもたらした作だが、そうした若き日の苦い思い出がここでは懐かしく回顧されているかのようだ。
　第2楽章　アンダンテ・コン・モート（テンポ・ディ・ヴァルス）　ト短調　冒頭の怪奇的なファンファーレ（以後も節目で回帰）と弦のピッツィカートのワルツ・リズムの後、独奏ヴァイオリンに導かれ、イングリッシュホルンとオーボエが主題を歌い、以後“死の舞踏” 風のワルツの連なりのうちに幻想と郷愁が交錯しつつ、不気味なムードを生み出していく。
　第3楽章　レント・アッサイ～アレグロ・ヴィヴァーチェ　ロ短調～ニ短調　短い序奏を持つ急－緩－急の3部形式だが、楽想の多彩な変化ゆえに錯綜とした印象を受ける。主部は活力あるジーグ風のもので、ロシア正教の鐘の響きも聞こえ、グレゴリオ聖歌の「怒りの日」に似た動機や、自作の教会音楽《徹夜禱（晩禱）》op.37（1914 ～ 15）中の主の復活を歌う第9曲の引用も現れる。
　憂愁を湛えた中間部を挟んで主部の動きが戻り、「怒りの日」が死の象徴としてはっきり出現、それに対し前述の《徹夜禱》第9曲の引用や“アレルヤ（Alliluya）” という楽譜の表記が死の超克や主の栄光を示唆する。しかし終結は空虚5度の強烈な和音と死の一撃のようなタムタムの余韻。最後の作品の最後の音におけるこの謎めいた響きは何を意味するのだろう。
（寺西基之）

作曲年代	1940年
初　　演	1941年1月3日　フィラデルフィアユージン・オーマンディ指揮　フィラデルフィア管弦楽団
楽器編成	ピッコロ、フルート2、オーボエ2、イングリッシュホルン、クラリネット2、バスクラリネット、アルトサクソフォン、ファゴット2、コントラファゴット、ホルン4、トランペット3、トロンボーン3、テューバ、ティンパニ、大太鼓、小太鼓、トライアングル、タンブリン、シンバル、タムタム、チャイム、グロッケンシュピール、シロフォン、ハープ、ピアノ、弦楽5部

当日券　S・A席計70枚程度予定。17時45分より会場にて発売。
※残席がある場合のみ、休憩（19:55頃）より「おそ割」販売予定。休憩時からのご入場で1回券定価の50％OFF。（4/25up）

聴きどころ

幻想的な風景が広がる曲が集いました。ある夜見た「五角形の星形の庭に向かって無数の鳥が舞い降りる」という夢に、5という数に基づく緻密な音操作により鮮やかで美しい輪郭を与えた武満徹の中期の傑作。敬虔な雰囲気と限りなく伸びやかな響きが、北欧の澄んだ空を思わせるシベリウスの第6交響曲。ラフマニノフの交響的舞曲は、昨季大野が指揮した第3交響曲の姉妹曲。グレゴリオ聖歌《怒りの日》や自作《徹夜祷》からの「アレルヤ」の旋律も登場する熱狂的なクライマックスは、祈りの気持ちだけでなく、作曲者が最晩年もなお抱き続けた情熱と心の飛翔を表現するかのよう。これらの曲を愛着を持って指揮してきた大野が、都響の美しいサウンドにさらに磨きをかけ、聴く者の想像力をかきたてます。